American country duo Dan Seals and Marie Osmond made one of the most iconic country song duets when they released “Meet Me in Montana” in July 1985. Subsequently, the hit record became Seals’ first No. 1 single and Osmond’s second time on the Billboard Hot Country Charts. Marie Osmond made her major comeback in the country after the song’s success, while Dan Seals earned his spotlight in the country music scene. Awarded by the Country Music Association in 1986, Seals and Osmond were recognized for their dynamic vocal duet, making it a significant track in the history of American country music. How did Davis make a hit song? “Meet Me in Montana” was written by Paul Davis and produced by Kyle Lehning and Paul Worley; it suggests leaving city life in exchange for a pleasant and simple one in Montana. Known for his diverse genre in music composition, Davis’ includes the Montana record on his list of masterpieces, along with “I Go Crazy,” “Cool Nights,” and “Ride `Em Cowboy.”   As Davis recalled his tour of Montana, he immediately thought of writing about the state’s scenery and introduced himself to the country industry, with Seals and Osmond performing his piece. The versatile singer-songwriter didn’t make hit songs after the big break of the “Meet Me in Montana” just yet. He wrote another No. 1 chart-topping song for Seals with “Bop” and his duet with Osmond on “You’re Still New To Me.” With its timeless and richly melodious rhythms, Seals and Osmond played it numerous times in various shows, capturing various audiences then and now. Indulge yourself with Dan Seals and Marie Osmond’s harmonious vocals with their performance of “Meet Me in Montana.”  

Don Goodman and Becky Hobbs penned Alabama’s “Angels Among Us,” which has become one of the band’s most beloved songs. Released in 1993 as part of their Cheap Seats album, the song was initially intended as a Christmas single. However, it quickly evolved into a timeless anthem played year-round for its uplifting message of hope and faith. Despite its modest chart performance—reaching only No. 51 on the Billboard Hot Country Singles & Tracks chart—the song resonated with listeners in ways that numbers can’t measure. Lead singer Randy Owen once shared that the band received “hundreds of letters” from fans expressing how the song had blessed their lives. While “Angels Among Us” wasn’t a major radio hit, it became a spiritual and emotional touchstone for millions. The Story Behind “Angels Among Us” The inspiration for “Angels Among Us” came from songwriter Becky Hobbs’ personal experience. In In 1985, Hobbs was haunted by a recurring premonition of danger, as reported by Advance Local. One night, while traveling home from a show, her band stopped at a traffic light just as an 18-wheeler barreled toward them. Trusting her instincts, Hobbs shouted for the driver to stop, narrowly avoiding a devastating collision. This close call left a lasting impression on Hobbs, leading her to believe unseen forces protected them. The phrase “I believe there are angels among us” stayed with her, and she began writing the song, later completing it with co-writer Don Goodman. Their collaboration resulted in one of Alabama’s most inspirational tracks. Recently, Angels Among Us has experienced a resurgence. According to Forbes, the track re-entered Billboard’s Christian Digital Song Sales chart, reaching a new peak at No. 8 in August 2024. Though originally a country hit, its message of faith and hope has allowed the song to thrive within the Christian genre, continuing to touch listeners even decades after its release. The song’s simple yet profound lyrics, “Oh, I believe there are angels among us / Sent down to us from somewhere up above…” have touched the hearts of listeners across generations. Whether played at memorial services, during difficult times, or as a reminder of faith, “Angels Among Us” offers comfort and hope. Alabama’s emotional delivery and the song’s enduring message make “Angels Among Us” a timeless classic. You can watch the band’s moving performance in the video below—just be sure to have some tissues nearby.  

Clad in black and bearded, outlaw country music artist and now a legendary icon in the genre, Waylon Jennings asked, “Are You Sure Hank Done It This Way.” Written by Jennings and released in August 1975 as the first single from his album Dreaming My Dreams under RCA Nashville, this track was the singer’s fourth number-one country hit as a solo artist. It topped for a week and spent a total of 16 weeks on the country chart. It also grabbed a spot on the Billboard Hot 100, peaking at 50. Like many of Waylon Jennings’ songs, its success transcended its generation, becoming a widely covered song in the genre. Among its well-known renditions are Alabama’s, which they released in 2010 as a tribute to Waylon Jennings titled The Music Inside: A Collaboration Dedicated to Waylon Jennings, Volume One, Clint Black in 1999, who also used Jennings’ name in place of Williams, and Hank Williams Jr. in 1981. In pop culture, it has appeared in the 1990 movie The Highwaymen Live, the 2009 film Crazy Heart, and Grand Theft Auto V’s country music-themed station, Revel Radio.   Meaning Behind the Song “Are You Sure Hank Done It This Way” was, as Rolling Stone described it, “the closest thing outlaw country has to an official statement.” It was a pushback to the Nashville status quo, criticizing the era of “rhinestone suits and shiny cars,” a cry for freedom and change, and an homage to the legacy and influence left behind by the icon Hank Williams Sr. In each verse, Jennings describes the state of country music during his time and then ends it with elevating levels of doubt. At first, it was just questioning, “But I don’t think Hank done it this way.” And then, in the second verse, he was pressing, and the once sliver of doubt was now growing, singing, “Are you sure Hank done it this way? Did ol’ Hank really do it this way?” In the final verse, it felt more like a statement than a question. He went, “I don’t think Hank done it this way.” Jennings was undeniably a big Hank fan. He noted in his autobiography, “If I had an Outlaw hero, someone to set my standard and measure my progress, it was Hank Williams…he had touched me way back in Littlefield, through the strength of his songs and the soul of his voice.” Unfortunately, the two never made acquaintances. But Jennings did become friends with Hank Williams Jr., who gifted him a pair of Hank William boots that he often wore. Listen to “Are You Sure Hank Done It This Way, “Waylon Jennings’ call for change and tribute to Hank Williams, in the video below.  

The 50th Annual Country Music Awards in 2016 is remembered for many reasons, but perhaps none more significant than the moment Alan Jackson made a quiet but powerful statement by walking out during Beyoncé’s performance. While many in the crowd cheered on the pop star’s collaboration with The Chicks, Jackson’s departure reminded everyone where he—and many other traditionalists—stood. In an era where country music has often been caught between honoring its roots and embracing crossover influences, Alan Jackson’s actions were a clear stand for the integrity of country music. Alan Jackson’s Commitment to True Country Music Alan Jackson has long been known for his unwavering dedication to keeping country music authentic. His decision to leave the CMAs during Beyoncé’s performance wasn’t out of character—it was the latest in a series of moments in which Jackson has defended the genre’s traditions. In 1994, when industry producers pushed him to use a backing track, Jackson boldly instructed his drummer to play without sticks in protest of the artificial sound. Five years later, at the 1999 CMAs, when George Jones was forced to perform a shortened version of “Choices,” Jackson defied expectations by performing the song himself in solidarity with Jones. These actions define Jackson as a legendary artist and a protector of country music’s authenticity. His walkout during the 2016 CMAs was less about Beyoncé herself and more about his commitment to the genre that made him who he is. For Jackson, and many like him, country music is more than just a style—it’s a way of life rooted in tradition, storytelling, and an authentic connection to the American heartland. A Performance That Divided the Country Music World   The 2016 CMAs will be remembered as a night when two worlds collide. Beyoncé, one of the biggest names in pop music, took the stage with The Chicks, marking the trio’s return to the CMA stage. Together, they performed “Daddy Lessons,” a song from Beyoncé’s Lemonade album that blends country elements with her signature pop style. While the collaboration was a hit for some in the audience, the performance didn’t sit well with everyone. Many traditional country fans, including Jackson, felt that the night should have honored the legacy of country music’s 50th anniversary rather than highlighting a crossover act. As Whiskey Riff pointed out, Jackson’s quiet departure during the performance symbolized a broader unease within the country music community. For Jackson and his fellow purists, the performance was out of place. As a Nashville music manager told Billboard, “It felt forced. For an anniversary meant to celebrate the roots of country music, Beyoncé became the centerpiece, while The Chicks were reduced to a backup band.” This sentiment reflected the broader concern that the genre’s core values were being overshadowed by pop influences. A Divided Audience Inside and Out Inside the Bridgestone Arena, reactions to the performance were mixed. Industry insiders and fans were excited to see the collaboration between two powerhouse artists from different musical worlds. However, the performance felt out of sync with the night’s purpose for others.   While many in the audience seemed to enjoy the moment, social media buzz told a different story. Traditional country fans expressed their disappointment, feeling that the night’s tribute to country’s 50-year legacy was hijacked by a pop performance that had little to do with the genre’s roots. A former Grammy trustee commented, “Beyoncé’s performance might have been cool, but it missed the mark for what the night was about. Country music has a soul, and it felt like that was pushed aside for the sake of diversity.” This tension between modern inclusivity and traditional values was at the heart of the debate—and Alan Jackson’s walkout became a symbol of this clash. Natalie Maines Addresses Backlash Over Beyoncé’s Performance While many in the country music community were critical of the performance, Natalie Maines of The Chicks had a different perspective. Known for her outspoken views, Maines defended Beyoncé’s appearance at the CMAs, calling the negative reactions “disgusting.” She was disappointed at the mixed reception, particularly among traditional country fans. Maines’ defense highlighted the growing divide between old-school country fans and those embracing a more genre-fluid music approach. However, for Jackson and his fellow traditionalists, this wasn’t just about a performance—it was about the integrity of country music and the direction the genre is heading. Alan Jackson’s Silent Protest Speaks Volumes Alan Jackson’s quiet protest made the loudest statement on a night filled with celebrations and performances. Without uttering a word, Jackson’s decision to leave the CMAs during Beyoncé’s performance was a clear message to the country music world: the genre’s roots matter, and its integrity shouldn’t be compromised for mainstream acceptance. Jackson’s walkout wasn’t about rejecting diversity or collaboration but about holding onto the core values that define country music. As the genre continues to evolve and embrace influences from other musical worlds, artists like Jackson remind us where country music came from and why its authenticity should be protected. Country Music Wrestles with Its Roots and Future Direction The 2016 CMAs marked a pivotal moment in country music’s ongoing struggle for identity. With pop and crossover influences increasingly becoming part of the genre, the question remains: How does country music stay true to its roots while embracing the future? Alan Jackson’s actions serve as a reminder of the genre’s foundation in real stories, real struggles, and a connection to the American experience. As the genre moves forward, it must find a way to balance its tradition with its growth—without losing the essence of what makes country music unique. For country purists, Jackson’s walkout was more than a personal decision—it was a stand for the heart of country music itself.  

Think you know “Me and Bobby McGee”? It’s not just a road song, and it’s definitely not just a love song. Kris Kristofferson’s “Me and Bobby McGee” is about more than that—it’s a masterwork confronting the tug-of-war between freedom and love. While Janis Joplin’s version may have made it famous, the real story behind the song runs much deeper, involving a playful conversation and Kristofferson’s unique ability to weave personal stories into universal truths. The True Story Behind Me and Bobby McGee The idea for “Me and Bobby McGee” didn’t begin with Kristofferson. According to The Tennessean, the inspiration for the song came from Fred Foster, a legendary producer and the man responsible for launching the careers of artists like Dolly Parton and Roy Orbison. Foster came up with the idea while teasing a secretary named Barbara “Bobbie” McKee, who worked in the same Nashville office. In a playful exchange, Foster said, “I’m going to write a song about me and Bobbie McKee.” When he passed the idea to Kristofferson, the Texas-born songwriter transformed the joke into something more profound. Kristofferson changed McKee to McGee and turned it into a story about two drifters who find a fleeting connection on the open road. It wasn’t a love song in the traditional sense—it was a song about the painful realization that freedom often comes at the cost of love. As Billboard describes, Kristofferson crafted “Me and Bobby McGee” to reflect his experiences, including his sacrifices to pursue a life of music and independence. In her recounting to The Tennessean, Bobbie McKee, now Barbara Eden, recalled the first time she heard Kristofferson sing the song. “Fred came in and said, ‘I want you to meet the real Bobby McKee, and here’s Kris Kristofferson to sing your song for you,’” she said. “It was the most fantastic thing I had ever heard.” How Janis Joplin Transformed the Song Into a Hit While Kristofferson’s version of “Me and Bobby McGee” gained attention on his debut album, Janis Joplin’s blues-infused rendition made the song a chart-topping hit. Recorded just before she died in 1970, Joplin’s performance of the song was included on her posthumous album Pearl. Her gritty voice turned the tender ballad into a rock anthem that resonated with listeners far beyond country music circles. As Fred Foster recalled to The Tennessean, he had no idea Joplin had even recorded the song until he heard it for the first time: “When she got to the middle part of ‘Me and Bobby McGee,’ and brought it down to sweet and tender, I thought, ‘Man, what a loss,’” he said, reflecting on Joplin’s death and the emotional weight she brought to the song. Joplin’s version soared to No. 1 on the U.S. singles chart in 1971, making it one of the most memorable covers of all time. But let’s not forget, as Billboard reminds us, that Kristofferson was the heart of the song. His writing captured the raw emotions of love and loss, making it adaptable for artists like Joplin while maintaining its core message. The song wasn’t about one person or moment—it was about the human experience, the struggle between holding on to love and chasing freedom.   Freedom or Love? The Real Meaning of Me and Bobby McGee At its core, “Me and Bobby McGee” is a song about the high price of freedom. Kristofferson’s lyrics tell the story of two people who share a brief moment of connection before parting ways, their paths forever divided by their desire for something more. The famous line, “Freedom’s just another word for nothing left to lose,” speaks to the song’s heart. It’s not just about finding freedom—it’s about realizing that freedom often comes with the cost of losing everything you hold dear. Kristofferson, a former Army captain who struggled to break into the music industry, understood that tension firsthand. Billboard notes that his life was filled with tough decisions, leaving behind a stable career and a comfortable life to pursue music. In “Me and Bobby McGee,” Kristofferson poured those experiences into the lyrics, capturing the bittersweet truth that freedom while liberating, can also be lonely. The open road in the song symbolizes more than just physical travel. It’s a metaphor for the emotional journey of choosing freedom over love. The narrator and Bobby share a moment of intimacy, but in the end, their connection can’t survive the call of the road. Kristofferson’s genius was in his ability to make that moment relatable to anyone who has ever had to let go of something—or someone—they loved. The Enduring Legacy of Me and Bobby McGee Even after over fifty years, “Me and Bobby McGee” remains one of American music’s most beloved and covered songs. Kristofferson’s words resonate with audiences because they touch on a universal truth: pursuing freedom often means letting go of what ties us down. As The Tennessean highlights, Kristofferson’s storytelling still holds up because it taps into the human experience in a real, lived-in, and heartbreakingly honest way. And while Joplin’s version may have cemented its place in rock history, it’s Kristofferson’s ability to write songs that ask the tough questions—about love, loss, and what it means to be truly free—that keeps the song relevant. So as you listen to “Me and Bobby McGee” in the video below, remember that it’s more than a song about two travelers. It’s about the cost of freedom, our choices, and the things we leave behind on the road to finding ourselves. Kris Kristofferson captured that truth, and it’s why his music continues to speak to new generations of listeners today.

Have you ever told yourself you didn’t care, only to realize you were fooling yourself later? That’s precisely the emotional punch behind George Strait’s “Ocean Front Property.”…

Josh Turner definitely knows how to convey even the deepest of emotions. Singing the iconic ballad “He Stopped Loving Her Today,” the country music singer captivated his audience as he took them on a journey of endless love, at the same time, an unbearable heartbreak. Fans all remained silent as Turner’s voice soared throughout the venue with overwhelming emotion and pain for the beloved man who held his lifelong wish to love his woman until the day he died. As the song was nearing its devastating end, Turner’s voice belted the final chorus as the audience met him with an uproar of applause. “You know, she came to see him one last time. Aww, ‘n’ we all wondered if she would, and it kept runnin’ through my mind “this time, he’s over her for good.” He stopped loving her today. They placed a wreath upon his door. And soon they’ll carry him away. He stopped loving her today,” Turner sings. An Award-Winning Song From A Legendary Singer “He Stopped Loving Her Today” is a song originally recorded by country legend George Jones, and released in 1980 as the lead single from the album I Am What I Am. Ever since then, the song has been named in several surveys as the greatest country song of all time. The song was his first solo No. 1 hit in six years and has been credited by Jones for reviving his flagging career, saying that “a four-decade career had been salvaged by a three-minute song.” It went on helping Jones to earn the Grammy Award for Best Male Country Vocal Performance in 1980. “He Stopped Loving Her Today” also took home Single of the Year and Song of the Year at the Academy of Country Music. It also became the Country Music Association’s Song of the Year twice: in 1980 and 1981. Josh Turner Never Stops Paying Homage To His Legendary Singers Even though Josh Turner is a modern country singer, he often pays homage to the legendary singers that came before him. Recently, the multi-platinum-selling country music star released a new album called Country State of Mind. It covers some of the genre’s beloved classics and focuses on the song books that have most inspired Turner in his career. The five legends who have long held a firm place in Turner’s musical journey were Randy Travis, Johnny Cash, Hank Williams, John Anderson, and Vern Gosdin. “I’ve always said that any song you hear coming from my voice, you’re going to hear bits and pieces of those five guys,” Turner said. “They taught me how to be Josh Turner.” According to the press release, Country State of Mind showcases Josh Turner as a “disciple of country music history, with the album spanning more than half a century of classic country music, encompassing both well-known standards and deep-catalog cuts, many of which hold deep personal meaning.” The album also has duets with John Anderson, Kris Kristofferson, and Chris Janson. Country State of Mind is Turner’s first studio effort since his gospel collection I Serve a Savior in 2018. But before that, let’s look back to Josh Turner’s riveting performance of “He Stopped Loving Her Today,” five years ago. You might think there’s no one else who could do this song justice but The Possum himself, but Josh Turner made it fresh and gave us a chill with his deep voice.

Jeannie C. Riley, a trailblazer in country music, continues to showcase her legendary talent decades after making history. In 2012, during a New Year’s Eve celebration, Riley reunited with Nashville singer-songwriter Jimmy Payne and delivered a stunning performance of her iconic hit, “Harper Valley PTA.” Her timeless energy and powerful voice captured the song’s essence, making her a household name. The Song That Made History Written by the renowned Tom T. Hall, as NPR reports, “Harper Valley PTA” tells the story of Mrs. Johnson, a widowed mother who confronts her daughter’s school’s Parent Teacher Association. In this bold narrative, Mrs. Johnson exposes the hypocrisy and indiscretions of the PTA members, delivering a memorable reckoning that resonated with listeners far and wide. The song’s fierce stance against judgmental attitudes and double standards struck a chord with women across the country, earning its place as a cultural touchstone. Jeannie C. Riley’s 1968 release of the song became a monumental success. She did top the Billboard Hot Country Songs chart and the Billboard Hot 100 and became the first woman in history to achieve this feat. “Harper Valley PTA” won the Grammy Award for Best Country Vocal Performance, Female, in 1968 and earned the Country Music Association’s Single of the Year title. Riley’s unapologetic delivery of the song’s bold message solidified her place in country music history. Still a Star, Decades Later Fast-forward more than four decades, and Riley’s talent remains undeniable. In a 2012 clip garnering over 150,000 views, the now 78-year-old Riley performed “Harper Valley PTA” with the same fire and finesse she displayed during her chart-topping days. Fans were thrilled that the magic in her voice hadn’t faded with time. “Jeannie C, you never lost it! As lovely and as good as ever,” one viewer commented, echoing the sentiments of many who were moved by her ageless performance.   RELATED: 10 of the Best Country Music One-Hit Wonders Of All Time Even though years have passed, Riley’s signature style and commanding presence inspire admiration. Her delivery of the feisty anthem proves that she is still the legendary artist who broke barriers and profoundly connected with listeners. The 2012 footage is a testament to Jeannie C. Riley’s lasting influence on country music. With her unforgettable voice and the enduring relevance of “Harper Valley PTA,” she reminds the world of her indelible contribution to the genre. Be sure to catch Riley’s entire “Harper Valley PTA” performance in the video below, and witness for yourself the brilliance that still shines through after all these years.

At Lorrie Morgan’s Spicy Hot Chicken Coop in Panama City Beach, Florida, fans were treated to a magical evening when Jesse Keith Whitley performed his father’s iconic song “Don’t Close Your Eyes.” But the performance was unforgettable when Jesse’s young son, Jackie, joined him on stage for a touching father-and-son duet. The result was a heartfelt tribute to their family’s deep musical legacy and to the timeless artistry of Keith Whitley. A Family Legacy Takes Center Stage Wearing a cowboy hat that seemed just a little too big for him, Jackie confidently walked onto the stage, where his dad sat poised with a guitar in hand. After a quick whispered exchange, the young Whitley greeted the crowd with a shy but charming “hi” that drew laughs and smiles from the audience. Moments later, as father and son began to sing “Don’t Close Your Eyes,” it was clear the night would be one to remember. RELATED: Keith Whitley’s Timeless Classic Hit “Don’t Close Your Eyes” Jesse Keith Whitley, carrying on his late father’s musical legacy, sang the 1988 hit with the kind of deep emotion that only a Whitley could deliver. Meanwhile, little Jackie added his youthful enthusiasm, captivating the audience and even earning his stool to sing alongside his dad. Their performance ended with thunderous applause for the music and the beautiful display of family tradition and love. “Don’t Close Your Eyes,” written by Bob McDill, was the title track of Keith Whitley’s legendary 1988 album. American Songwriter details the success of ‘Don’t Close Your Eyes,’ which topped the US Billboard Hot Country Songs chart and became 1988’s most celebrated country single. Sadly, it became part of the last album Keith Whitley released before his untimely death in 1989, making the song a bittersweet cornerstone of his legacy. Keith Whitley’s Legacy Lives On Through Generations Keith Whitley’s music has always held a special place in the hearts of country fans, and “Don’t Close Your Eyes” remains one of his most beloved tracks. Over the years, it has been covered by icons like Alan Jackson and Garth Brooks, cementing its place as a classic. But nothing compares to seeing Keith’s family breathe new life into the song. Jesse Keith Whitley has spent his career honoring his father’s memory while carving out his path in country music. With a rich voice and a dedication to traditional country sounds, Jesse has proven he can carry the Whitley torch. But on this special evening, he shared the spotlight with his son Jackie, hinting that another generation might be ready to step into the family’s storied musical shoes. The performance wasn’t just a tribute to Keith Whitley’s enduring influence but also a reminder of the power of music in connecting generations. Watching young Jackie sing alongside his dad brought a unique, heartwarming energy to the song as if the spirit of Keith Whitley himself was shining down on the stage. If you haven’t yet seen this touching rendition of “Don’t Close Your Eyes,” it’s a must-watch. It’s not just a song—it’s a family history sung with heart and soul, reminding us all why Keith Whitley’s music continues to inspire.